Claudio Gallina: ''Cuando compras un cuadro te llevas una parte del artista''

De pequeño -lo vino a recordar recientemente-, Claudio Gallina pintaba chicas en la calle y en las paredes abandonadas de su barrio de Palermo, en Buenos Aires. Los amigos mayores le pagaban para que reprodujera el cuerpo femenino en grandes dimensiones. No sabía entonces que aquel juego terminaría siendo su oficio ni que en sus pinturas estaría presente el juego.

Quizás eso explique que en todas sus pinturas esté un chico (al que el argentino denomina un "personaje fetiche") que es como el dibujante precoz que era él entonces. "A veces me dicen que lo cambie pero no les hago caso porque ese soy yo cuando dibujaba de chico".

Desde su primera exposición en 1989 muchas cosas han pasado. Ahora nos atiende desde la Feria Internacional de Arte de Bogotá, donde está representado por la galería mexicana Alfredo Ginocchio.

Antes de esta serie en la que aparecen chicos jugando, Gallina venía trabajando una obra que tenía que ver con el teatro: hacía escenografías y leía teatro. No ilustraba los libros pero sí imaginaba cómo hubieran sido esos escenarios que él descubría a través de la lectura.

La crisis de Argentina y los viajes por Latinoamérica le tocaron mucho el tema de la educación, lo que estaba pasando en ese momento con la educación. Esa visión que comenzó siendo una especie de denuncia fue superada paralelamente con la crisis. Y sus lienzos se fueron tornando a escenas mucho más lúdicas: niños y adolescentes de colegio reunidos en patios y aulas imaginarias donde se les ve felices, jugando: "Me fui quedando con un período de la vida por el que todos hemos pasado y a todos nos toca de alguna manera. Eso lo compruebo en las muestras cuando veo que la gente se emociona".

Pero en esa mirada al pasado, Gallina reivindica una lectura del futuro: "Somos lo que somos por lo que nos pasó o no en esa época". Y también alude al juego en esa edad como algo muy serio: "Una de las rupturas más grandes que hay entre la niñez y la adultez es el juego. Uno cree que es adulto porque no juega más y es una lástima. Y ahora de alguna manera seguimos jugando: tú juegas a que eres periodista, yo a que soy pintor".

Para él, los niños son seres maravillosos que dicen cosas geniales y que están locos, al borde de la locura, pero como se ve la locura en el arte. La locura tiene que ver con la hiperlucidez".

Cree que a esta serie, que trabaja desde 2002, ahora le tocaría tomar otro giro, posiblemente hacia la tercera dimensión. "El cuerpo me pide que este proceso llegue a una tercera dimensión y ahí termine. Será una manera de darle un marco escenográfico a todo lo que es ahora pintura. Serán como pequeñas obritas de teatro".

La rayuela o el avioncito es considerado en Argentina un juego de niñas. Y él lo pinta en sus cuadros porque no sólo es la referencia a Julio Cortázar sino porque ese juego es también una metáfora del camino de la vida: "Empieza en la tierra y termina en el cielo; hay un trayecto que debes cumplir".

"En mi familia", cuenta, nunca se habló de arte, para él ser artista era algo inalcanzable. No iba a museos ni galerías. Pero dibujé desde que tengo uso de razón. Quise ser diseñador de autos de carrera (ahora no me interesan nada)". Luego siguió lo lógico: entró a estudiar Arquitectura. Pero no terminó porque se dio cuenta de que le aburría. En ese momento, estudiar artes no era común. Decidió estudiar escenografía y para ello tenía que pasar los primeros años en bellas artes.

Ahora, mirando en retrospectiva su trabajo, reconoce que sus primeras obras tienen el encanto de ser más viscerales: "Era más un chico, no me importaba nada, trabajaba con el cuerpo, me metía dentro de la obra de una manera íntima. Eran casi autobiográficas".

Cuenta que a veces ponía la mente en blanco para empezar a pintar y cuando terminaba encontraba que todo lo que había pintado tenía tanto que ver con lo que le estaba pasando que se asustaba. Sin embargo, en comparación con las obras que siguieron después, aquellas no eran tan logradas plásticamente: tan realistas, tan trabajadas como son ahora.

¿Cómo hace para lograr ese balance entre mercado, comercialización y arte?

Es difícil. Porque en realidad, aunque no lo crean, el artista no está pensando en vender cuadros. A mí lo que me preocupa es que quede bien la muestra, ese es mi trabajo: que la muestra quede cada vez mejor. El que da el pecho y la cara es uno. El tema de la venta y los precios es de las galerías. Mientras me alcance para vivir no me preocupa demasiado. Me interesa mucho más que a la gente le guste que se venda o no.

¿Y qué dice la crítica?

A mí me interesa mucho más lo que dice la gente que no sabe nada, porque el que sabe ve con esos ojos críticos para decir qué está bien o mal. Yo no sé nada de música y eso no me impide disfrutarla. El arte debería ser un poco así. Cuando compras un cuadro estás comprando un pedazo del artista, estás comprando sus secretos, su intimidad.

Por María Gabriel Méndez